今天的帖子《论京剧梅派的特色》节选自《中国戏剧》1961年第13期，作者是上海戏曲学校青衣京剧梅派优秀教师杨万农。他自幼喜爱京剧，是一名小学生。进入复旦大学后，他转学青衣。 1930年毕业后，到南京盐务局当公务员。 1932年到北京参观梅斋，受到梅兰芳先生的赞赏和肯定。他自青年时代起，四十多年来致力于弘扬梅派艺术，为梅派艺术的继承和发展做出了突出贡献。

梅兰芳先生以其高超的技艺，在歌剧舞台上塑造了许多令人难忘的艺术形象，在歌唱艺术上形成了独特的梅派，几十年来一直受到人们的喜爱和赞誉。我是梅派艺术的爱好者，长期对梅派艺术进行研究。我虽然亲耳听过梅派先生的教诲，但由于学习不够，未能充分领会梅派艺术的特点和精髓。尽管如此，我还是不敢放肆地把自己的收获写下来，以供学习梅派艺术时参考，并请同志们批评指教。

梅派艺术的一大特点就是不孤立地炫耀演技，而是把它作为塑造人物形象的手段。梅先生非常注重做工和表情是否符合剧中人物的身份和性格。如果传统剧目中有某些表演不能满足人物的需要，他就会对原有的表演进行修改。

比如，在《园梦》中饰演杜丽娘时，梅老师把一个春困春色的少女角色演绎得分寸分明、细腻，内心情感丰富。杜丽娘是闺女，受封建礼教束缚，自然有追求爱情的欲望，这与荡妇思纯完全不同，所以他淡化了一些原本露骨的、不符合杜丽娘身份的表演人物。和情绪。

梅兰芳、王洁智的《园中梦》

又如，在《霸王别姬》中，梅先生将虞姬塑造成一个情感丰富、心地善良的女性，深受观众喜爱。这部剧中的歌声并不多。随着剧情的层层发展和于吉逐渐深入的表演，牢牢抓住了观众。直到于吉自杀，观众才叹息，黯然离开座位。

梅先生常演的几部剧目几乎成为家喻户晓的“大众剧目”。但为什么有的人永远看不到精彩的剧，而梅老师却可以让人看不完呢？我想这主要是因为他能够真实地洞察人物，把握情节的变化，让表演恰当地体现人物的变化，从而达到感人至深的戏剧效果。我看了他几十年的戏，从来没有注意到他在舞台上表演时与剧中人物脱节；他从不笑，也不随意看前排的观众。为了不妨碍表演，他从不上台的“喝酒”部分也早就被取消了。

此外，梅老师的表演还具有“熟于演技，源于演技”的特点。过去，戏班里有一句行话：“不熟的戏要熟演，熟悉的戏要熟练演”。这意味着演员应该防止自己变得太熟悉。经验丰富的演员在新戏中更容易演得熟悉；然而，演好一部熟悉的戏，说起来容易做起来难。梅老师这十几年演的戏不多，大部分都是大家熟悉的戏。但即使是在他最熟悉的戏里，他也从不关心、也不懈怠。他可以像第一次演这部戏时一样认真，并且继续表现出色。全新的体验丰富了该剧的内容，让观众每次观看都有新鲜感。

梅先生念诵的主要优点是清晰易懂。他的唱功和表演都大方自然，没有任何造作和新奇。质朴如齐白石的画，看似平凡却令人着迷。他的唱法“放”多于“收”，很多阳平字都唱得响亮，尤其是每部戏第一句的第一个字。例如，《分河湾》中的【西皮原板】中的“儿子的父亲投奔军队，没有消息”用了“尔”字，“赖在都城”中用了“赖”字。 《三堂审讯》中苏三登场时的【西皮三板】中的《检察院》。词都是这样唱的。梅老师的声音宽广明亮，他出现时的第一句旁白、介绍或演唱都能让观众满意，如《贵妃醉酒》中的“醉车”场景、《苏醒》中的场景等。 《三七劫》、《三审》、《苦》、《马贩子》场景中的《丫鬟提灯》等，听着让人心情轻松，给人一种很高的艺术感。享受。

梅兰芳《七姐》

梅派的一些传统戏曲虽然有新的创作，但唱腔上的新创作并不多。新剧目中有许多独特的创作。其特点是曲调虽新，但并不出乎意料的新。同时，曲调的起伏非常流畅，没有什么刺耳或勉强的地方，所以听起来非常好听。这首曲子是为观众唱的。它符合传统歌唱的特点，受到广大听众的欣赏，能够恰当地表达内容。这是一首好曲子。如果写一首新曲子只是为了炫耀新奇，而在结构和技巧上没有下功夫，内容不能恰当表达，不被听众认可，那么它就没有存在的价值。 。因为一般观众无法一下子分辨出哪个是新曲子，哪个是旧曲子。只要是悦耳动人的，就是好曲子。好的新口音会被保留下来，逐渐变成旧口音。比如，我们这些只会唱几句京剧的人，在看汉剧、川剧或其他地方戏曲时，有时分不清新旧唱法的区别。当他们唱得醇厚或酣畅时，我们也会佩服他们。所以，歌唱不在于新，而在于优美、动人。但如果演唱曲调的变化太少，总是一遍又一遍地唱同一个曲调，观众就会感到厌烦。

梅先生的启蒙老师是吴令贤，后来拜陈德林为弟子，并向王耀庆求助。这些老先生的唱腔都是刚柔相济，所以梅先生早年的唱腔比较强势，这一点可以从他早年制作的唱片中看出。后来，梅老师的声音越来越柔和、水汪汪的。他觉得自己的歌声有力，但不够柔和，所以在柔和上下功夫。

在歌剧方面，他早期的《嫦娥奔月》、《神女散花》、《黛玉葬花》等歌剧的唱腔仍是刚柔相济。 《太真外传》的演唱进入了刚柔并济的新境界，如《花清出浴》中的《反四平》、《玉真梦回》中的《反二黄》等。演唱既新颖又创新。 ，演唱的抑扬顿挫也与以往的风格不同。到1934年话剧《生死恨》问世时，长段的《夜转》[二黄倒转][散][摇][回龙][慢板][原]唱腔充满悲情，高低音编排得非常恰当，瞬间流行起来。至今仍是我们心中最难忘的一首歌。 《西施》中“水宫风大秋气紧”一段【二黄倒转】【回龙】【慢板】安静敦厚，是有一点的人都喜欢的一段。梅派唱歌的知识 喜欢唱歌。

梅兰芳《生死之恨·夜色旋转》

有人说：“演员之所以唱得好听，就是为了赢得采儿”。我们不能说演员完全没有这种心态，但以此为出发点就错了。歌唱除了优美之外，还需要与人物的情感相结合。这才是真正的好歌声。生气时的歌唱要简洁高亢，悲伤时的歌唱要缠绵优美，高兴时的歌唱要轻松飘逸。如果脱离了情感，只追求细腻优美的演唱，只追求韵味，那么就不是真正的好曲子。创造形式是为了更好地表达内容，按照这个原则来表演戏曲，才是正确的创作路径。

梅派的表演和姿态也离不开“大方、自然”四个字。比如，梅先生经常用非常复杂的人物来表演《宇宙边境》和《贵妃醉酒》，但他并不硬性地固定这些人物和位置。每次他表演的时候，他们总是有点相同。有时它们是故意改变的，有时则不是。是随意做的。我们这些追随梅派的人，在看戏时，经常在台下用笔写下他的姿势。发现这种情况，我们就问他，他说：“舞台是一种有规律的自由动作，只要原理把握好，与表情结合得好，无论怎么动都好看；”如果你严格规定每场戏的每一个动作，表演起来就会显得不自然，观众也会看出这只是为了做姿势，那就失去了身体的真正意义。”

有一次我看过他表演《汾河湾》。当他唱完“你回来后，我可以做你的妻子”这句台词时，他的身材非常优美，脸上的表情害羞又迷人。当时我不记得了，所以第二天我就问他是怎么做到的。他记不太清楚了。他只是随心所欲地这么做了。俗话说“凡是触手可及的东西，都可以成为美妙的真理”。在这种情况下，据我了解，是梅先生深入到了人物的内心，完全掌握了表现人物的艺术手段，达到了炉火纯青的境界。

梅兰芳、马连良的《汾河湾》

因此，我们学习梅派艺术，必须学习梅派的精神，而不是局限于它的形式。即使你把《宇宙边境》这部电影看了几十遍，把所有的姿势、体型、袖子等等都记住了，你也没有掌握梅老师塑造这个角色魅力的方法，也没有掌握他的表演技巧。热情。没有孩子和技巧，结果不会美好。对于普通初学者来说，“自由”二字无论怎么强调都不为过。他们连基本的规则都不熟悉，如果没有把握就跳到前面，如果任由他们自由行动，就会变成随意行动。

梅牌的身材和表情还有一个特点，就是不瘟不火，恰到好处。如果表现太差，就会显得平淡；如果太热，就会显得夸张、不切实际。过剩和不足都是缺点。有一次，梅先生在上海演出《宇宙前沿》。那天他的声音不太好，影响了他的唱歌和念诵，所以他在表演上下了很大的功夫。唱腔太烂，表演过度，有些失去了梅派风格。风格。经朋友指出后，他立即虚心接受了这个意见。梅先生反对夸张的表演，但他也不放过用夸张的动作来表达人物情感的机会。比如《四海无疆》的“修改”场景，赵高答应了女儿的要求，向皇帝修改了版本，请求赦免匡氏的罪孽。赵燕荣读完“哑奴，墨融”后，在鼓声中，先用双腕向前绕圈，然后将双袖向两侧挥动，最后左转向内时，将双袖向上抛到身后。回来后，试图通过水袖的运用来表达赵燕荣的愉快心情。这些动作看起来有点花哨，像是炫耀袖子，但实际上这些动作都与剧情、人物紧密结合，拿捏得恰到好处。他早期演这部剧的时候，表现得比较平淡。经过数十年的表演实践和对剧中人物性格的深刻理解，他才达到了今天的完美境地。

在表演艺术上，梅先生从不墨守成规，充满创新和创造精神。 1914年，梅先生开始排演时装剧，如《海浪》、《邓霞姑》、《一缕马》等； 1915年起，他创造了与当时一般造型、服装不同的青衣花旦、蓉唱、舞蹈风格。于一露的古装剧，如《嫦娥奔月》中的花镰舞、《洛神》中的翠玉舞、《神女散花》中的丝带舞、《夕阳》中的笛羽舞等。 《石》、《红线偷盒子》、《连金凤》、《霸王别姬》等的剑舞，都可以自创风格，自成一派。深受群众好评，受到群众的喜爱和模仿。古装剧已成为京剧男女角色中不可缺少的一部分。

又如，以前唱京剧时不用二胡伴奏。后来梅老师觉得旦角演员用假声唱歌时发音很尖，而京胡的发音也很尖。经过一番研究，我发现二胡的发音宽广、铿锵有力，如果用它来给旦角伴奏，就能刚柔相济。试听后确实是顺耳。从此，二胡就成为京剧乐队中必不可少的乐器。

梅先生总是不断地修改、修改自己经常演出的剧目，删除不合理的部分，精炼多余的部分。每一场表演都感觉比上一场进步了一步。比如《奇双会》中的“哭牢”场景，他删除了所有与内容无关的迷信情节，比如猫头鹰神传李七的哭声，李桂枝摔倒时的头晕等。他的膝盖。又如《贵妃醉酒》，虽然舞蹈人物优美，演员的腰腿功也能充分表现出来，但原著情节简单粗俗，歌词和表演中存在不少色情方面。梅先生删除后，该表演中的淫秽言语和表演被彻底删除。原本那些没有明确目的的秀腰秀腿的人物，安排得非常合理。主题也发生了变化，揭示了宫中受压迫妇女的复杂情感。没有太大的改变之后，它就成为了一部很好的音乐剧。梅先生曾说过：“我从来不主张修改剧本太粗糙，如果把一部传统的老剧改得面目全非，观众会感到不舒服，甚至很难接受。所以，我总是尽量保留精彩的部分。” “如果实在没办法开戏，我就放弃，不演梅先生几十年的艺术实践，尤其是建国后的十几年。” ，继续处理和整理剧目和表演，精益求精，从而使梅派的艺术达到了顶峰。

总之，梅派艺术易学难精。学唱歌、念诵，首先要有宽广明亮的嗓音，然后学他的发音、能量、魅力；学他的形体、表情，必须学他的精神，不能拘泥于他的形式。无论唱、朗、演、演，梅派始终保持中立、平衡的风格，不走偏僻、不冒险、不媚俗的道路。当然，梅先生忠于艺术、忠于生活、忠于人物的现实主义精神和认真的创作态度更值得我们学习。

（《中国戏剧》1961年第13期）

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一堆旧文件中的那张